Estética de Hegel Para Hegel como as Artes são obras de um tempo, talvez por serem conceituais de um período (e sempre foi assim, sempre tem um contexto histórico, social e ambiental a qual os artistas estão inseridos e que transparece em suas obras), elas sim mostram a verdade do seu tempo. São obras do espírito absoluto que as fazem serem superiores à natureza por revelarem a verdade desse tempo. Porém, Hegel julgou períodos da arte ao que ele acreditava que passavam ou não essa verdade, ou seja, uma verdade espiritual, uma arte podia evoluir para essa verdade espiritual ou ser apenas uma arte bela, que não tem uma mensagem clara. Para ele, por exemplo, a arte do Antigo Egito não deixava clara sua mensagem, já a arte grega e a romântica expressa melhor o que para ele seria essa verdade. A arte romântica expressava o exterior, as emoções além da estética. Essas obras avançam até que chegue na poesia onde essa expressão evolui ainda mais. Ele ainda separa o Belo natural do Belo artístico. O belo natural é a beleza encontrada na natureza (paisagens, animais, seres vivos) antes de ser processada pela consciência humana. No entanto, Hegel considera o belo natural inferior ao belo artístico. O artístico tem o esforço do artista, comunica o que tem por dentro, é a manifestação do espírito.

Piaget, desenvolvimento da moral da criança. Assimilação- o que a criança aprende com o meio, o que naturalmente pode ser inserido em seu conhecimento, mas se esse conhecimento precisar evoluir de um jeito diferente, quando se tem novas situações as quais precisa lidar e precisa de uma reformulação cognitiva, é chamada Acomodação. Isso faz com que o indivíduo sempre se reformule no que precisar, gerando um equilíbrio no meio em que vive. A inteligência é a constante busca por esse equilíbrio para que se resolvam esses conflitos, gerando pensamentos cada vez mais elaborados. Lembrando que Piaget falava de modo universal e não individual. Ele ainda fala de três fases às quais a criança passa para formular essa moral obedecendo regras. Na primeira a criança não entende e não as segue, depois ela começa a se interessar por jogos ou interações com regras e na terceira ela já entende e passa a aceitar as regras. Na segunda fase ainda, a criança pode modificar as regras em benefício próprio por não levar tão a sério a importância das regras. E na terceira, geralmente adolescentes, eles passam a entender melhor e consentir, podem querer mudá-las e questioná-las, mas de forma consciente e mútua. O desenvolvimento dessa criança se dará pela interação com o meio, esse processo é o mais citado por Piaget.

O artigo fala sobre o curadorismo como um dos íamos da arte moderna, do papel do curador antigamente como colecionador e expositor, historiador, até os dias de hoje com alguns trabalhos de curadoria que são inacessíveis ao público, falando apenas sobre eles ou o que eles querem e não se comunicando de fato de forma didática ao espectador, que é a função da curadoria. Educação e mensagem também é função artística de um curador. A autora ainda cita o crescimento das bienais como fenômeno da prática curatorial e de como isso se deu devido às diversas práticas culturais da modernidade.

O artigo reflete sobre mulheres em pé de igualdade aos homens na sociedade em geral, mas como são diferenciadas com a desculpa do "feminino" na arte, mas isso não é questionado aos homens. Se um homem exerce criatividade num hobby "feminino" ele vira aquilo, se cozinha pode virar um cozinheiro e chef, se pinta vira um artista, pintor, se esculpe um escultor. Já mulheres passam por um caminho árduo para serem levadas a sério no que fazem, não é merecimento ou uma questão de serem percebidas ou se tentar afirmar que são boas mesmo, como tantas artistas apagadas na história e sim porque ainda as diferenciam em questões de gênero. Artistas ao longo da história criaram, como homens, além do seu estilo e sim num contexto histórico a qual estavam inseridas e não diferenciam em nada dos homens artistas que criaram em dados período. A autora do artigo ainda fala sobre como isso é um problema institucional, não apenas justificando como homens bons ou mais, que envolve ambiente, contextos sociais, pessoas que já vem de um berço privilegiado social ou artístico e que não tem a ver com uma genialidade ou uma jornada de herói.

Platão Arte de coisas reais e criadas. O ser humano cria utensílios e coisas necessárias para o cotidiano, mas também inventa uma nova realidade criando como a arquitetura e pintura. Artes produtivas e imitativas. Uma produz algo para ser usado, a outra imita a natureza. Essa arte que imita, ele chama de mímesis, a qual ele julga inferior a natureza das coisas por ser apenas uma imitação e não o que é real, o que ele define como mundo das ideias. A própria natureza seria uma imitação do mundo das ideias. Ele ainda cita que a arte seria dividida entre humana e divinas e que a poesia e as outras artes humanas deveriam ser abolidas do seu ideal de cidade. A pintura seria uma forma de imitar a aparência, ele usa como exemplo um marceneiro e um pintor. O marceneiro construiria uma cama e o pintor observaria a cama para produzir em um quadro, porém não seria realmente fiel a todos os ângulos da cama, logo o pintor só estaria preocupado em passar sua impressão vista da coisa e não a realidade em si. Já a poesia era admirada não só por ele como para todos nesse período, pois ela seria inspirada pelas Musas, ou seja, era algo divino e espiritual. Para Aristóteles portanto essa mímesis é comum ao homem, ele vai reproduzir até mesmo de outros artistas buscando inspiração e essa imitação tem como intuito gerar o prazer que a arte traz. Ele fala das artes que completam a natureza e de outras que a imitam, diferente de Platão.