A autora busca artes contemporâneas com viés político que abordam questões de raça, cor e a social. A crítica revela-se principalmente nas diferenças de classe e o que a arte pode privilegiar até nisso. Alguns artistas usam arquivos para mostrar o que se está “lutando”, os motivos, o porquê, na história que muitas vezes é apagada, então eles recorrem ao que foi deixado de lado, mexem com a memória como obra. A estética e o belo também podem virar reflexão em obras que retratam o universo feminino. Mulheres com um padrão de beleza acentuado e exagerado propositalmente também é visto aqui como uma das críticas a se questionar. Nas palavras da artista: “Desenhar como exercício de observação. Fazer com que a linha disseque a perversidade de um modelo de beleza. Boneca fria, modelo vazio. Um modelo de beleza que nunca poderá ser atingido. Um modelo que é a antítese da própria essência da feminilidade, terra assolada onde nada cresce, os corpos deformados por um padrão de beleza doentio, onde seios fartos convivem com um corpo que não corresponde em peso ao seu tamanho.” Mais uma vertente artística citada: o cinema e audiovisual. Com exemplos de cinemas projetados para a população, o que importa é a democratização ao acesso a cultura e ao cinema com filmes e séries e curtas diversas, afinal sem público, espectadores não a arte. Logo o grande entrave nessa questão e em todas as citadas, até mesmo no fazer artístico muitas vezes é a falta de recursos, falta de acessibilidade, a garantia de que apenas alguns desfrutam ou coisas nos são escondidas em arquivos históricos.

Arte apenas pelo belo ou a de um artista gênio, onde ele é inacessível. Questionamentos acerca do que é arte além do Isso é belo? Vínculo do prazer do espectador com a arte e o que Kant chama de reflexão sobre ela. Isso poderia levar a dois caminhos ou a experiência e associação a esse prazer ou reflexão ou à crítica. O que é a Experiência falando ou a Crítica?

Metodologia da pesquisa em Artes Plásticas Como criar um discurso analítico sobre Artes plásticas sendo que elas são objetos, coisas físicas, plasticidade? Justamente por seu caráter não discursivo que a Arte abre espaço para vários discursos. Todos serão válidos, porém não traduzirão totalmente. O artista também pode falar sobre, mas não será em sua totalidade. O espectador pode ter um pensamento visual, ver as coisas, as formas etc e isso também é válido, assim como toda análise que pode virar discurso. Nas artes contemporâneas existem poucas documentações que ajudem nessa análise, e é necessário centros de documentação e pesquisa contendo-as. “O pesquisador sobre arte contemporânea deverá ter uma formação teórica, simultaneamente ampla e aprofundada, conjugando História da Arte, teoria e crítica de arte, além de conhecimento em outras áreas: sociologia, filosofia, história da cultura, semiologia e semiótica.”

O autor faz uma ligação do fazer artístico, de performances e tudo o que leva o artista a criar usando de sensações e sentimentos universais e como isso passa ao público. A psicanálise usada como analogia se dá com a análise de Édipo Rei, que faz com que os leitores sintam, mesmo que não passem pelo fato em si. Essa é a universalidade que Kant também cita em sua percepção estética. De que por, mesmo que não seja a mesma situação, culpa, raiva, tristeza, prazer, são universais. O que leva a fazer arte é universal e pode ser psicanalítico, pode curar e fazer entender o que está dentro do artista antes mesmo dele saber.

Sobre métodos de leitura de imagem no ensino da arte contemporânea Educar visualmente os alunos, que não são educados assim, não somos educados visualmente, pois temos, principalmente em áreas menos favorecidas, em escolas públicas, onde a arte não é vista como prioridade, um contato maior com artes visuais. Mas esse costume pode ser feito coisas e objetos cotidianos, fazendo associações e criando uma bagagem visual para educar os alunos. Intertextualidade: o texto escrito e o através de imagens. Propostas como a Proposta Triangular mudam essa perspectiva do ensino artístico na modernidade, após influência de outros métodos e abordagens de fazer e observar artístico. A triangulação: fazer arte (criação/produção), a análise ou decodificação da obra de arte (leitura de imagens/apreciação) e contexto ou informação (História da Arte/contextualização). Proposta Triangular para o ensino da arte, de Ana Mae Barbosa. Contextualização Contextualização da obra de arte. Conhecer/analisar a história da obra e o contexto de sua produção, bem como o artista e época em que foi produzida, relacionando-a com o contexto atual, pensando a obra de arte de uma forma mais ampla, para, consequentemente, ampliar o conhecimento em arte. Leitura da Obra de arte/Apreciação Apreciação, percepção, sensibilização, leitura de imagem por meio da gramática visual. Conhecer os elementos visuais da obra, para descobrir e discutir questões que ela revela. Conhecer a obra e compará-la com obras e artistas de outras épocas ou não, interpretando-a subjetivamente. Fazer artístico Momento de criação, produção, de representação e expressão artística. A obra observada é uma boa referência para estimular o indivíduo a criar artisticamente, experimentando diferentes linguagens, sem que seja uma cópia ou modelo estereotipado da obra observada. Deve-se preservar a criatividade e a livre expressão na criação de uma nova obra.

Platão Arte de coisas reais e criadas. O ser humano cria utensílios e coisas necessárias para o cotidiano, mas também inventa uma nova realidade criando como a arquitetura e pintura. Artes produtivas e imitativas. Uma produz algo para ser usado, a outra imita a natureza. Essa arte que imita, ele chama de mímesis, a qual ele julga inferior a natureza das coisas por ser apenas uma imitação e não o que é real, o que ele define como mundo das ideias. A própria natureza seria uma imitação do mundo das ideias. Ele ainda cita que a arte seria dividida entre humana e divinas e que a poesia e as outras artes humanas deveriam ser abolidas do seu ideal de cidade. A pintura seria uma forma de imitar a aparência, ele usa como exemplo um marceneiro e um pintor. O marceneiro construiria uma cama e o pintor observaria a cama para produzir em um quadro, porém não seria realmente fiel a todos os ângulos da cama, logo o pintor só estaria preocupado em passar sua impressão vista da coisa e não a realidade em si. Já a poesia era admirada não só por ele como para todos nesse período, pois ela seria inspirada pelas Musas, ou seja, era algo divino e espiritual. Para Aristóteles portanto essa mímesis é comum ao homem, ele vai reproduzir até mesmo de outros artistas buscando inspiração e essa imitação tem como intuito gerar o prazer que a arte traz. Ele fala das artes que completam a natureza e de outras que a imitam, diferente de Platão.

Estética de Hegel Para Hegel como as Artes são obras de um tempo, talvez por serem conceituais de um período (e sempre foi assim, sempre tem um contexto histórico, social e ambiental a qual os artistas estão inseridos e que transparece em suas obras), elas sim mostram a verdade do seu tempo. São obras do espírito absoluto que as fazem serem superiores à natureza por revelarem a verdade desse tempo. Porém, Hegel julgou períodos da arte ao que ele acreditava que passavam ou não essa verdade, ou seja, uma verdade espiritual, uma arte podia evoluir para essa verdade espiritual ou ser apenas uma arte bela, que não tem uma mensagem clara. Para ele, por exemplo, a arte do Antigo Egito não deixava clara sua mensagem, já a arte grega e a romântica expressa melhor o que para ele seria essa verdade. A arte romântica expressava o exterior, as emoções além da estética. Essas obras avançam até que chegue na poesia onde essa expressão evolui ainda mais. Ele ainda separa o Belo natural do Belo artístico. O belo natural é a beleza encontrada na natureza (paisagens, animais, seres vivos) antes de ser processada pela consciência humana. No entanto, Hegel considera o belo natural inferior ao belo artístico. O artístico tem o esforço do artista, comunica o que tem por dentro, é a manifestação do espírito.

Piaget, desenvolvimento da moral da criança. Assimilação- o que a criança aprende com o meio, o que naturalmente pode ser inserido em seu conhecimento, mas se esse conhecimento precisar evoluir de um jeito diferente, quando se tem novas situações as quais precisa lidar e precisa de uma reformulação cognitiva, é chamada Acomodação. Isso faz com que o indivíduo sempre se reformule no que precisar, gerando um equilíbrio no meio em que vive. A inteligência é a constante busca por esse equilíbrio para que se resolvam esses conflitos, gerando pensamentos cada vez mais elaborados. Lembrando que Piaget falava de modo universal e não individual. Ele ainda fala de três fases às quais a criança passa para formular essa moral obedecendo regras. Na primeira a criança não entende e não as segue, depois ela começa a se interessar por jogos ou interações com regras e na terceira ela já entende e passa a aceitar as regras. Na segunda fase ainda, a criança pode modificar as regras em benefício próprio por não levar tão a sério a importância das regras. E na terceira, geralmente adolescentes, eles passam a entender melhor e consentir, podem querer mudá-las e questioná-las, mas de forma consciente e mútua. O desenvolvimento dessa criança se dará pela interação com o meio, esse processo é o mais citado por Piaget.

O artigo fala sobre o curadorismo como um dos íamos da arte moderna, do papel do curador antigamente como colecionador e expositor, historiador, até os dias de hoje com alguns trabalhos de curadoria que são inacessíveis ao público, falando apenas sobre eles ou o que eles querem e não se comunicando de fato de forma didática ao espectador, que é a função da curadoria. Educação e mensagem também é função artística de um curador. A autora ainda cita o crescimento das bienais como fenômeno da prática curatorial e de como isso se deu devido às diversas práticas culturais da modernidade.

O artigo reflete sobre mulheres em pé de igualdade aos homens na sociedade em geral, mas como são diferenciadas com a desculpa do "feminino" na arte, mas isso não é questionado aos homens. Se um homem exerce criatividade num hobby "feminino" ele vira aquilo, se cozinha pode virar um cozinheiro e chef, se pinta vira um artista, pintor, se esculpe um escultor. Já mulheres passam por um caminho árduo para serem levadas a sério no que fazem, não é merecimento ou uma questão de serem percebidas ou se tentar afirmar que são boas mesmo, como tantas artistas apagadas na história e sim porque ainda as diferenciam em questões de gênero. Artistas ao longo da história criaram, como homens, além do seu estilo e sim num contexto histórico a qual estavam inseridas e não diferenciam em nada dos homens artistas que criaram em dados período. A autora do artigo ainda fala sobre como isso é um problema institucional, não apenas justificando como homens bons ou mais, que envolve ambiente, contextos sociais, pessoas que já vem de um berço privilegiado social ou artístico e que não tem a ver com uma genialidade ou uma jornada de herói.

Descobri esse artista (Alceu Penna) dias atrás no Google Arts e amei o traço e como me lembrava ilustrações antigas da Barbie e lendo o artigo vi que ele realmente se inspirou muito nos EUA mesmo que seja uma referência pro Carnaval e quando ilustrou pra uma revista importante de moda nas décadas de 20 e 30. Me incomodou um pouco essa influência ser extremamente presente até em algo que deveria ser cultural do Brasil, mas ele mesmo se incomodou com a forma que os estrangeiros caracterizaram o Brasil, ao mesmo tempo que parece que ele valorizava ainda mais o que estava fora do que aqui. Óbvio que ele também criou coisas inspiradas na cultura brasileira, mas poucas de considerar o resto.

Comecei com uma pequena introdução ao Gaudí porque quero saber mais sobre ele, talvez ler alguma biografia